از رقابت دو ستاره بزرگ سینمای اکشن تا درگیری‌های پرتنش پشت صحنه فیلم‌های ماندگار؛ تاریخ سینما فقط روایت همکاری‌های موفق نیست، بلکه از کینه‌های شخصی، اختلاف‌های هنری و جدال بر سر قدرت نیز شکل گرفته است. نگاهی به مشهورترین خصومت‌های سینمایی نشان می‌دهد که پشت پرده بعضی از آثار شناخته‌شده، روابطی پیچیده و پرتنش جریان داشته که گاه به اندازه خود فیلم‌ها در حافظه سینمادوستان ماندگار شده‌اند.
ریحانه اسکندری – سینما از بیرون، جهانی پرزرق‌وبرق از شهرت، موفقیت و همکاری به نظر می‌رسد؛ اما پشت دوربین، همکاری میان بازیگران، کارگردانان و دیگر عوامل تولید همیشه به همین سادگی نیست. فیلم‌سازی به هماهنگی گروهی نیاز دارد، اما فشار کار، اختلاف‌نظرهای هنری، رقابت بر سر نقش‌ها و شهرت و برخورد شخصیت‌های متفاوت می‌تواند صحنه فیلم‌برداری را به میدان جدال تبدیل کند. گاهی این اختلاف‌ها با یک مشاجره به پایان می‌رسند و گاهی آن‌قدر عمیق می‌شوند که دو هنرمند تا پایان عمر حاضر نیستند با یکدیگر صحبت کنند.
تاریخ سینما نمونه‌های فراوانی از این خصومت‌ها دارد؛ از رقابت‌های شخصی ستارگان هالیوود در دوران نظام استودیویی تا درگیری‌های فیزیکی در پشت صحنه، اختلاف‌های ایدئولوژیک و حتی تلاش صاحبان قدرت برای جلوگیری از نمایش یک فیلم. در برخی موارد، این تنش‌ها از زندگی شخصی افراد فراتر رفته و بر روند تولید، شکل‌گیری شخصیت‌ها و حتی سرنوشت یک اثر تأثیر گذاشته‌اند. البته نمی‌توان هر بازی درخشان یا اثر ماندگاری را مستقیماً به اختلاف‌های پشت صحنه نسبت داد؛ با این حال، بعضی از این تجربه‌ها نشان می‌دهند که رابطه میان هنرمندان و کیفیت اثری که خلق می‌کنند، همیشه رابطه‌ای ساده و قابل پیش‌بینی نیست.
از عصر طلایی هالیوود تا سینمای معاصر، این گزارش سراغ شماری از مشهورترین قهرها، دعواها و خصومت‌های تاریخ سینما می‌رود؛ اختلاف‌هایی که گاهی به جدایی‌های طولانی انجامیدند، گاهی به نبردی بر سر قدرت و گاهی به بخشی از تاریخ خود فیلم‌ها تبدیل شدند.
عصر طلایی هالیوود؛ رقابت ستارگان و کینه‌های ماندگار
در دوران نظام استودیویی هالیوود، بازیگران تنها چهره‌های روی پرده نبودند؛ آن‌ها بخشی از سرمایه و اعتبار استودیوها به شمار می‌رفتند. رقابت بر سر نقش‌های مهم، توجه رسانه‌ها و جایگاه حرفه‌ای، در کنار کنترل استودیوها بر زندگی کاری و شخصی ستارگان، فضایی می‌ساخت که در آن اختلاف‌های کوچک می‌توانستند به کینه‌هایی چنددهه‌ای تبدیل شوند. برخی از مشهورترین دشمنی‌های تاریخ سینما در همین دوران شکل گرفتند.
بت دیویس و ژوان کرافورد؛ خصومتی که به «چه بر سر بیبی جین آمد؟» رسید
دشمنی بت دیویس و ژوان کرافورد یکی از شناخته‌شده‌ترین خصومت‌های تاریخ هالیوود است؛ رابطه‌ای که رقابت حرفه‌ای، اختلاف‌های شخصی و کنایه‌های رسانه‌ای آن را به داستانی فراتر از یک اختلاف معمولی تبدیل کرد.
یکی از روایت‌های مشهور درباره ریشه این دشمنی به سال ۱۹۳۵ بازمی‌گردد؛ زمانی که دیویس هنگام بازی در فیلم «خطرناک» به هم‌بازی خود، فرانچوت تون، علاقه‌مند شد. تون اما با کرافورد وارد رابطه شد و با او ازدواج کرد. دیویس از این اتفاق به‌شدت دلخور بود و بعدها بارها از کرافورد انتقاد کرد. این ماجرا تنها یکی از زمینه‌های اختلاف آن دو بود؛ رقابتی که در سال‌های بعد با کنایه‌ها و اظهارنظرهای تند ادامه یافت.
در سال ۱۹۶۲، رابرت آلدریچ این دو ستاره را در فیلم «چه بر سر بیبی جین آمد؟» مقابل یکدیگر قرار داد. دیویس و کرافورد در این فیلم نقش دو خواهر را بازی می‌کردند که گذشته‌ای مشترک، رابطه‌ای پرتنش و زندگی‌ای آکنده از کینه و خشونت داشتند. انتخاب این دو بازیگر برای چنین نقش‌هایی، با توجه به اختلاف‌های شناخته‌شده‌شان، به یکی از جذاب‌ترین حاشیه‌های تولید فیلم تبدیل شد.
روایت‌های متعددی از تنش‌های پشت صحنه این فیلم منتشر شده است. از جمله گفته می‌شود در صحنه‌ای که شخصیت دیویس باید کرافورد را روی زمین می‌کشید، کرافورد برای دشوارتر کردن کار، زیر لباسش کمربند وزنه‌برداری بسته بود. همچنین دیویس که از ارتباط کرافورد با شرکت پپسی‌کولا خبر داشت، بنا بر روایت مشهور، دستگاه فروش خودکار کوکاکولا را در اتاق استراحت خود نصب کرد. با این حال، جزئیات بعضی از این داستان‌ها در روایت‌های مختلف تفاوت دارد و باید آن‌ها را با احتیاط نقل کرد.
خصومت دو بازیگر در مراسم اسکار سال ۱۹۶۳ نیز به یکی از حکایت‌های مشهور هالیوود تبدیل شد. دیویس برای بازی در همین فیلم نامزد جایزه اسکار بهترین بازیگر زن شده بود، اما کرافورد نامزد نبود. کرافورد از آن بنکرافت، نامزد اسکار برای فیلم «معجزه‌گر»، خواست که در صورت برنده شدن، به نمایندگی از او جایزه را دریافت کند. بنکرافت برنده شد و کرافورد روی صحنه رفت تا جایزه را تحویل بگیرد؛ اتفاقی که در روایت‌های مربوط به رقابت این دو بازیگر، به‌عنوان یکی از لحظه‌های نمادین دشمنی‌شان ثبت شده است.
این اختلاف حتی پس از مرگ کرافورد در سال ۱۹۷۷ نیز در اظهارنظرهای دیویس بازتاب داشت. او از گفتن سخنان مثبت درباره رقیب قدیمی‌اش پرهیز می‌کرد و جمله‌ای مشهور درباره مرگ کرافورد بر زبان آورد که مضمون آن این بود: نباید درباره مردگان بد گفت؛ ژوان کرافورد مرده است و این خوب است. دیویس همچنین با لحنی تحقیرآمیز درباره روابط کرافورد با ستارگان مرد هالیوود اظهارنظر کرده بود.
با وجود همه این حاشیه‌ها، نمی‌توان موفقیت «چه بر سر بیبی جین آمد؟» را تنها به خصومت دو بازیگر نسبت داد. کارگردانی آلدریچ، فیلم‌نامه و بازی‌های دو ستاره در شکل‌گیری فضای هولناک و روان‌شناختی فیلم نقش داشتند. با این حال، تضاد میان دو شخصیت و شهرت واقعی بازیگران به‌عنوان رقیبانی سرسخت، به استقبال از فیلم و ماندگاری آن در حافظه عمومی کمک کرد. این اثر به یکی از نمونه‌های شاخص فیلم‌های روان‌شناختی درباره زوال، حسادت و روابط ویرانگر تبدیل شد.
اولیویا د هاویلند و ژوان فونتین؛ رقابت دو خواهر بر سر اسکار
خصومت اولیویا د هاویلند و ژوان فونتین نمونه‌ای کم‌نظیر از رقابت طولانی میان دو خواهر بود که هر دو به ستاره‌های بزرگ سینما تبدیل شدند. اختلاف‌های خانوادگی آن‌ها از دوران کودکی آغاز شده بود و موفقیت حرفه‌ای نیز نتوانست رابطه‌شان را ترمیم کند.
در سال ۱۹۴۲، هر دو خواهر نامزد جایزه اسکار بهترین بازیگر زن شدند. فونتین برای بازی در فیلم «مشکوک» ساخته آلفرد هیچکاک نامزد بود و د هاویلند نیز برای فیلم «بامداد را نگه دارید» نامزدی اسکار را به دست آورده بود. فونتین جایزه را برد و در روایت‌های مربوط به رابطه دو خواهر، رفتار سرد او با خواهر بزرگ‌ترش در مراسم اسکار از لحظه‌های تعیین‌کننده اختلاف آن‌ها دانسته می‌شود.
چند سال بعد، در سال ۱۹۴۷، د هاویلند برای بازی در فیلم «هر کس سوی خودش» برنده اسکار شد. رابطه دو خواهر در سال‌های بعد نیز تیره باقی ماند و آن‌ها سرانجام دهه‌های پایانی زندگی‌شان را با فاصله از یکدیگر گذراندند. این اختلاف تا پایان عمر هر دو ادامه یافت؛ فونتین در سال ۲۰۱۳ و د هاویلند در سال ۲۰۲۰ درگذشتند.
رقابت این دو بازیگر را می‌توان نمونه‌ای از درهم‌تنیدگی روابط خانوادگی و موفقیت حرفه‌ای در هالیوود دانست. با این حال، نسبت دادن ویژگی‌های بازی فونتین در فیلم‌های هیچکاک به اختلاف او با خواهرش، بدون شواهد روشن، ساده‌سازی ماجراست. آنچه روشن است، این است که رقابت خانوادگی و حرفه‌ای آن‌ها به یکی از مشهورترین روابط پرتنش میان خواهران در تاریخ سینما تبدیل شد.
دبی رینولدز و الیزابت تیلور؛ مثلث عشقی که به دشمنی هالیوودی تبدیل شد
در میان خصومت‌های مشهور هالیوود، بعضی اختلاف‌ها نه از رقابت حرفه‌ای، بلکه از روابط عاطفی و خیانت شکل گرفتند. ماجرای دبی رینولدز و الیزابت تیلور یکی از مشهورترین نمونه‌هاست؛ داستانی که در آن دو بازیگر، دوستی قدیمی خود را در پی یک رابطه عاشقانه از دست دادند.
رینولدز و تیلور در جوانی با یکدیگر دوست بودند. اما در اوایل دهه ۱۹۶۰، رابطه تیلور با ادی فیشر، همسر رینولدز، به یکی از جنجالی‌ترین ماجراهای رسانه‌ای هالیوود تبدیل شد. فیشر که دوست نزدیک همسرش و از چهره‌های شناخته‌شده موسیقی بود، رینولدز را ترک کرد و به تیلور پیوست. این اتفاق در شرایطی رخ داد که تیلور نیز پیش‌تر با مرگ همسرش، مایک تاد، روبه‌رو شده بود و رابطه او با فیشر توجه گسترده رسانه‌ها را به خود جلب کرد.
این ماجرا به قطع رابطه رینولدز و تیلور انجامید و سال‌ها به‌عنوان نمونه‌ای از خیانت و رقابت عاطفی در میان ستارگان هالیوود نقل شد. با این حال، خصومت آن‌ها تا پایان عمر ادامه نیافت. رینولدز و تیلور سال‌ها بعد رابطه خود را ترمیم کردند و درباره این تجربه با لحنی آشتی‌جویانه‌تر سخن گفتند.
این پرونده، برخلاف بسیاری از دشمنی‌های حرفه‌ای سینما، مستقیماً به اختلاف بر سر نقش یا شیوه بازیگری مربوط نبود؛ اما نشان می‌دهد که زندگی خصوصی ستارگان در دوران سلطه رسانه‌های زرد چگونه می‌توانست به بخشی از روایت عمومی هالیوود تبدیل شود.
آلفرد هیچکاک و تیپی هدرن؛ وقتی کنترل کارگردان به آزار بازیگر رسید
آلفرد هیچکاک به وسواس در کنترل جزئیات فیلم‌هایش شهرت داشت؛ از حرکت دوربین و میزانسن گرفته تا هدایت بازیگران. اما رابطه او با تیپی هدرن، بازیگر فیلم‌های «پرندگان» و «مارنی»، از نمونه‌های بحث‌برانگیز برخورد قدرت در سینماست.
هدرن در فیلم «پرندگان» محصول ۱۹۶۳ و سپس در «مارنی» محصول ۱۹۶۴ بازی کرد. او بعدها در روایت‌های خود از همکاری با هیچکاک، از رفتارهای کنترل‌گرانه و آزارهای جنسی او سخن گفت. به گفته هدرن، زمانی که در برابر این رفتارها مقاومت کرد، رابطه حرفه‌ای آن‌ها به‌شدت تیره شد و هیچکاک کوشید کنترل بیشتری بر زندگی و مسیر کاری او داشته باشد.
یکی از تلخ‌ترین روایت‌های پشت صحنه «پرندگان» به صحنه حمله پرندگان در اتاق زیرشیروانی مربوط می‌شود. هدرن گفته است که برخلاف انتظارش، در بخشی از فیلم‌برداری به‌جای استفاده از پرندگان مکانیکی، پرندگان واقعی به سمت او پرتاب شدند و این وضعیت چند روز ادامه یافت. او از جراحات جسمی و فشار روانی ناشی از این تجربه سخن گفته است. این ماجرا بعدها به یکی از نمونه‌های بحث‌برانگیز رفتار با بازیگران در سینمای کلاسیک تبدیل شد.
پس از پایان همکاری، هدرن نتوانست به‌سادگی از قرارداد خود با هیچکاک خارج شود. این قرارداد، بنا بر روایت‌های منتشرشده، محدودیت‌هایی برای پذیرش نقش‌های دیگر ایجاد کرده بود و مسیر حرفه‌ای او را تحت تأثیر قرار داد.
بخش مهمی از قدرت «پرندگان» به فضای اضطراب‌آلود و احساس ناامنی آن بازمی‌گردد؛ با این حال، نمی‌توان رنج واقعی بازیگر را شرط لازم برای خلق چنین فضایی دانست. تجربه هدرن بیش از آن‌که نمونه‌ای از ضرورت آزار برای آفرینش هنری باشد، پرسشی جدی درباره مرز میان هدایت بازیگر، قدرت کارگردان و مسئولیت اخلاقی در محیط کار مطرح می‌کند.
وقتی رقابت و کینه از پشت دوربین فراتر می‌رود
اورسن ولز و ویلیام رندالف هرست؛ نبرد بر سر «همشهری کین»
بعضی از مهم‌ترین مناقشه‌های تاریخ سینما نه میان دو بازیگر یا دو کارگردان، بلکه میان یک فیلم‌ساز و صاحبان قدرت اقتصادی و رسانه‌ای شکل گرفته‌اند. تقابل اورسن ولز با ویلیام رندالف هرست، غول مطبوعاتی آمریکا، یکی از مشهورترین نمونه‌های این نوع خصومت است؛ اختلافی که مستقیماً به سرنوشت فیلم «همشهری کین» گره خورد.
ولز در سال ۱۹۴۱ نخستین فیلم بلند خود را با عنوان «همشهری کین» ساخت؛ اثری که زندگی یک سرمایه‌دار قدرتمند رسانه‌ای را به تصویر می‌کشید. شخصیت اصلی فیلم، چارلز فاستر کین، اگرچه نسخه‌ای مستقیم و مستند از هرست نبود، شباهت‌های قابل‌توجهی با زندگی، ثروت، جاه‌طلبی و نفوذ رسانه‌ای او داشت. همین شباهت‌ها سبب شد هرست فیلم را حمله‌ای به شخصیت و اعتبار خود تلقی کند.
واکنش هرست تنها به اعتراض شخصی محدود نماند. او از نفوذ گسترده خود در مطبوعات استفاده کرد و تلاش‌هایی برای جلوگیری از نمایش فیلم انجام شد. گزارش‌های تاریخی از فشارهایی حکایت دارند که با هدف منصرف‌کردن استودیو از اکران یا محدودکردن دسترسی فیلم به رسانه‌ها و سالن‌های نمایش صورت گرفت. با وجود این فشارها، شرکت سازنده از کنار گذاشتن کامل فیلم خودداری کرد و «همشهری کین» به نمایش درآمد.
فیلم در زمان اکران موفقیت تجاری بزرگی به دست نیاورد، اما نامزد چندین جایزه اسکار شد و بعدها جایگاهی محوری در تاریخ سینما پیدا کرد. شیوه روایت، استفاده از نور و سایه، ساختار غیرخطی و پرداخت شخصیت اصلی، از جمله ویژگی‌هایی هستند که به ماندگاری آن کمک کردند.
اهمیت تقابل ولز و هرست تنها در دشمنی میان دو چهره مشهور نیست؛ این ماجرا پرسشی درباره قدرت رسانه‌ها، آزادی هنری و امکان مقابله با صاحبان نفوذ اقتصادی مطرح می‌کند. در این پرونده، خصومت پشت صحنه صرفاً حاشیه‌ای بر فیلم نبود، بلکه به بخشی از تاریخ نمایش و دریافت یکی از مهم‌ترین آثار سینمایی قرن بیستم تبدیل شد.
کارگردان و بازیگر؛ وقتی اختلاف به مرز تحمل می‌رسد
بعضی از پرتنش‌ترین روابط تاریخ سینما میان کارگردانانی شکل گرفته که می‌خواستند همه‌چیز را مطابق تصور خود پیش ببرند و بازیگرانی که شخصیت، خواسته‌ها و روش کاری متفاوتی داشتند. در این موارد، اختلاف بر سر شیوه فیلم‌سازی گاهی به درگیری‌های شخصی و تجربه‌هایی فرساینده تبدیل شده است.
ورنر هرتزوگ و کلاوس کینسکی؛ همکاری در آستانه انفجار
رابطه ورنر هرتزوگ، کارگردان آلمانی، و کلاوس کینسکی، بازیگر پرشور و جنجالی، یکی از پرآشوب‌ترین همکاری‌های کارگردان و بازیگر در تاریخ سینماست. آن‌ها در پنج فیلم، از جمله «آگیره، خشم خدا» در سال ۱۹۷۲، «نوسفراتو» در سال ۱۹۷۹ و «فیتزکارالدو» در سال ۱۹۸۲، با یکدیگر همکاری کردند. این همکاری‌ها با اختلاف‌های شدید، فوران خشم و دشواری‌های فراوان در جریان تولید همراه بود.
در جریان فیلم‌برداری «آگیره، خشم خدا» در جنگل‌های آمازون، کینسکی از شرایط سخت کار به ستوه آمده بود و تهدید کرد که پروژه را ترک می‌کند. هرتزوگ سال‌ها بعد روایت کرد که در پاسخ، با لحنی تهدیدآمیز به کینسکی گفت اگر او گروه را ترک کند، به او شلیک خواهد کرد و سپس خودش را خواهد کشت. این داستان، با وجود شهرت فراوانش، بخشی از روایت شخصی هرتزوگ از رابطه‌ای پیچیده است که در آن خشونت کلامی و تهدید جایگاهی جدی داشت.
در زمان ساخت «فیتزکارالدو» نیز رفتارهای پرخاشگرانه کینسکی، بنا بر روایت‌های منتشرشده، گروه تولید را به ستوه آورده بود. هرتزوگ بعدها گفت که برخی از بومیان حاضر در محل فیلم‌برداری به او پیشنهاد داده بودند که کینسکی را بکشند. هرتزوگ این پیشنهاد را نپذیرفت و تولید فیلم ادامه یافت.
سال‌ها بعد، هرتزوگ در مستند «بهترین دوست من» به رابطه خود با کینسکی پرداخت؛ رابطه‌ای که در آن تحسین هنری، وابستگی حرفه‌ای، خشم و خصومت در کنار یکدیگر قرار داشتند. هرتزوگ از کینسکی به‌عنوان بازیگری بااستعداد و در عین حال دشوار یاد کرده است. همین تناقض، بخش مهمی از جذابیت و آشفتگی همکاری آن دو بود.
بازی پرانرژی کینسکی در فیلم‌های هرتزوگ، به‌ویژه در نقش شخصیت‌های جاه‌طلب و گرفتار جنون، از عناصر ماندگار این آثار است. با این حال، دشواری‌های تولید را نباید به‌تنهایی دلیل کیفیت هنری فیلم‌ها دانست. این همکاری بیش از هر چیز نشان می‌دهد که چگونه استعداد چشمگیر دو هنرمند می‌تواند در کنار اختلاف‌های شدید، به آثاری مهم منجر شود؛ بی‌آن‌که هزینه‌های انسانی چنین رابطه‌ای نادیده گرفته شود.
استنلی کوبریک و شلی دووال؛ کمال‌گرایی و فشار روانی در «درخشش»
استنلی کوبریک به کمال‌گرایی و وسواس در ساخت فیلم‌هایش شهرت داشت؛ ویژگی‌هایی که در مواردی به فشار شدید بر بازیگران انجامید. تجربه شلی دووال در فیلم «درخشش» محصول ۱۹۸۰، یکی از مشهورترین نمونه‌های این شیوه کاری است.
دووال در این فیلم نقش وندی تورنس را بازی می‌کرد؛ زنی که در هتلی دورافتاده، در کنار همسرش با ترس و خشونت فزاینده‌ای روبه‌رو می‌شود. برای رسیدن به بازی مورد نظرش، کوبریک بارها از دووال برداشت‌های مجدد گرفت. صحنه مشهور روی پله‌ها، که وندی با چوب بیسبال از خود دفاع می‌کند، به‌دلیل تعداد بسیار زیاد برداشت‌ها شهرت یافته است؛ هرچند عدد دقیق برداشت‌ها در روایت‌های مختلف متفاوت است.
دووال بعدها از فشار روانی این تجربه سخن گفت. به گفته او، فیلم‌برداری طولانی، تکرار مداوم صحنه‌ها و شرایط دشوار کار، او را فرسوده کرده بود. روایت‌هایی نیز درباره ریزش موی او و تأثیر جسمی و روحی این فشار منتشر شده است. در مقابل، برخی از همکاران کوبریک بر جدیت و دقت او در کار تأکید کرده‌اند؛ اختلاف روایت‌ها اما از دشواری تجربه دووال کم نمی‌کند.
بازی دووال در «درخشش» به یکی از عناصر ماندگار فیلم تبدیل شد. ترس، درماندگی و آشفتگی شخصیت وندی در بسیاری از صحنه‌ها به‌خوبی دیده می‌شود و با فضای خفقان‌آور داستان پیوند می‌خورد. با این حال، این‌که آیا فشارهای پشت صحنه مستقیماً باعث کیفیت بازی او شده‌اند، موضوعی قابل بحث است. آنچه نمی‌توان نادیده گرفت، فاصله میان دستیابی به نتیجه هنری و مسئولیت کارگردان در قبال سلامت و امنیت بازیگر است.
فرانسیس فورد کوپولا و مارلون براندو؛ آشفتگی تولید و تولد سرهنگ کورتز
ساخت «اینک آخرالزمان» در سال ۱۹۷۹ با دشواری‌های فراوانی همراه بود. فیلم‌برداری طولانی، مشکلات مالی، شرایط نامساعد آب‌وهوایی و فشار تولید، پروژه فرانسیس فورد کوپولا را به تجربه‌ای فرساینده تبدیل کرد. حضور مارلون براندو در نقش سرهنگ کورتز نیز بر پیچیدگی کار افزود.
براندو هنگام پیوستن به پروژه با آمادگی متفاوتی نسبت به انتظارات گروه وارد شد. او وزن زیادی اضافه کرده بود و آمادگی لازم برای اجرای نقش مطابق برنامه اولیه را نداشت. همچنین، بنا بر روایت‌های مربوط به تولید، او رمان «قلب تاریکی» را که فیلم از آن الهام گرفته بود، نخوانده بود و درباره چگونگی شکل‌گیری شخصیت کورتز ایده‌های خودش را داشت. این اختلاف‌ها باعث شد کوپولا ناچار شود در شیوه فیلم‌برداری و نمایش شخصیت تجدیدنظر کند.
براندو و کوپولا درباره برداشت خود از نقش اختلاف‌نظر داشتند، اما نتیجه نهایی به خلق شخصیتی انجامید که حضورش در فیلم با سایه، صدا و ابهام پیوند خورده است. کوپولا از نورپردازی کم‌نور و قاب‌بندی‌هایی استفاده کرد که کورتز را به چهره‌ای دور از دسترس و رازآلود تبدیل می‌کرد. تصمیم‌های بصری فیلم، در کنار بازی براندو، به شکل‌گیری یکی از شخصیت‌های به‌یادماندنی سینمای جنگ کمک کرد.
با این حال، نمی‌توان تمام انتخاب‌های بصری فیلم را نتیجه رفتار براندو دانست. کوپولا در دل بحران تولید، تصمیم‌هایی هنری گرفت که بخشی از آن‌ها با دشواری‌های پروژه ارتباط داشتند. تجربه «اینک آخرالزمان» نمونه‌ای است از این‌که یک تولید آشفته می‌تواند فیلم‌ساز را به بازنگری در روش‌های خود وادار کند؛ هرچند چنین وضعیتی الزاماً به خلق نتیجه‌ای موفق منجر نمی‌شود.
رومن پولانسکی و فی داناوی؛ یک تار مو و جدالی در «محله چینی‌ها»
در جریان ساخت فیلم «محله چینی‌ها» در سال ۱۹۷۴، میان رومن پولانسکی، کارگردان فیلم، و فی داناوی، بازیگر نقش اولین مالوری، اختلاف‌هایی بر سر جزئیات کار شکل گرفت. پولانسکی به کنترل دقیق قاب و جزئیات بصری اهمیت می‌داد و داناوی نیز بازیگری با حساسیت‌ها و روش کاری خاص خود بود. همین تفاوت‌ها به تنش‌هایی در صحنه فیلم‌برداری انجامید.
یکی از روایت‌های مشهور از این اختلاف، به تار مویی مربوط است که از موهای داناوی بیرون زده بود. گفته می‌شود پولانسکی برای اصلاح آن، بدون اجازه به او نزدیک شد و مو را کند؛ اتفاقی که خشم داناوی را برانگیخت و به مشاجره انجامید. این ماجرا به‌عنوان نمونه‌ای از برخورد مستقیم وسواس کارگردان با مرزهای شخصی بازیگر بارها نقل شده است.
داناوی بعدها نیز از رفتار تحقیرآمیز و فشارهای روانی در جریان تولید سخن گفت. در مقابل، روایت‌های دیگری از او به‌عنوان بازیگری دشوار یاد کرده‌اند. همین اختلاف در روایت‌ها نشان می‌دهد که تاریخ پشت صحنه فیلم‌ها همیشه از یک زاویه قابل بازسازی نیست و باید میان گزارش مستند و برداشت‌های شخصی تمایز گذاشت.
«محله چینی‌ها» به‌دلیل روایت پیچیده، جزئیات بصری و بازی‌های کنترل‌شده‌اش شهرت یافت و داناوی نیز شخصیتی ساخت که شکنندگی و اضطراب در آن با ابهام داستان پیوند خورده است. با این حال، نسبت دادن مستقیم ویژگی‌های بازی او به تنش‌های پشت صحنه، بدون شواهد کافی، دقیق نیست. اهمیت این ماجرا بیشتر در تصویری است که از برخورد دو شیوه کاری متفاوت و ضرورت رعایت مرزهای حرفه‌ای به دست می‌دهد.
اختلاف‌های هنری و فروپاشی دوستی‌ها
همه خصومت‌های سینمایی از حسادت یا رقابت شخصی سرچشمه نمی‌گیرند. گاهی دو هنرمند که در شکل‌گیری یک جریان سینمایی نقش مهمی داشته‌اند، بر سر معنای سینما و مسئولیت اجتماعی آن به اختلاف می‌رسند. در موارد دیگر، دوستی و همکاری طولانی‌مدت زیر فشار اختلاف‌های هنری یا جاه‌طلبی‌های حرفه‌ای از هم می‌پاشد.
بیل موری و هارولد رمیس؛ پایان یک دوستی در «روز گراندهاگ»
بیل موری و هارولد رمیس سال‌ها یکی از زوج‌های موفق کمدی در سینمای آمریکا بودند و در آثاری چون «کدی‌شک» و «شکارچیان روح» همکاری کردند. اما رابطه آن‌ها در جریان ساخت فیلم «روز گراندهاگ» در سال ۱۹۹۳ به بحران رسید؛ اختلافی که سرانجام دوستی‌شان را برای سال‌ها از بین برد.
یکی از زمینه‌های اختلاف، تفاوت نگاه آن‌ها به لحن فیلم بود. موری می‌خواست داستان، علاوه بر جنبه کمدی، عمق فلسفی و تأمل‌برانگیز بیشتری داشته باشد؛ در حالی که رمیس به دنبال حفظ تعادل میان ایده‌های فکری و کمدی قابل‌دسترس فیلم بود. اختلاف‌های شخصی موری در آن دوره نیز به دشواری همکاری دامن زد. رمیس بعدها از رفتارهای خشن و غیرقابل‌پیش‌بینی موری در جریان تولید سخن گفت.
این اختلاف باعث شد آن دو بیش از دو دهه با یکدیگر رابطه نزدیکی نداشته باشند. موری تنها در هفته‌های پایانی زندگی رمیس در سال ۲۰۱۴ به دیدار او رفت؛ دیداری که نشانه‌ای از آشتی دیرهنگام دو دوست قدیمی بود.
«روز گراندهاگ» در نهایت به یکی از کمدی‌های محبوب و ماندگار سینمای آمریکا تبدیل شد؛ فیلمی که در آن تکرار یک روز، فرصتی برای تغییر شخصیت و بازنگری در زندگی فراهم می‌کند. ترکیب کمدی با پرسش‌هایی درباره زمان، عادت و معنای زندگی، از دل ویژگی‌های خود داستان و انتخاب‌های سازندگان شکل گرفت. اختلاف موری و رمیس بخشی از تاریخ تولید فیلم است، اما نمی‌توان آن را تنها دلیل عمق و ماندگاری اثر دانست.
جری لوئیس و دین مارتین؛ جدایی یکی از محبوب‌ترین زوج‌های کمدی
پیش از آن‌که بسیاری از ستارگان کمدی سینما به‌تنهایی به شهرت برسند، جری لوئیس و دین مارتین یکی از موفق‌ترین زوج‌های سرگرمی در آمریکا بودند. همکاری آن‌ها از صحنه‌های اجرا و برنامه‌های تلویزیونی تا سینما امتداد داشت و در دهه ۱۹۵۰ مخاطبان فراوانی را جذب کرد. اما در سال ۱۹۵۶، پس از حدود یک دهه همکاری، این زوج ناگهان از یکدیگر جدا شدند؛ جدایی‌ای که برای طرفدارانشان غیرمنتظره بود.
این دو هنرمند از نظر شخصیت و شیوه کاری تفاوت داشتند. لوئیس پرانرژی، پرکار و علاقه‌مند به کنترل جزئیات اجرا بود، در حالی که مارتین تصویری آرام‌تر و کم‌تکلف‌تر داشت. با افزایش شهرت لوئیس و تمرکز رسانه‌ها بر نقش او در موفقیت این زوج، نارضایتی‌هایی درباره تقسیم توجه و اعتبار شکل گرفت. البته درباره دلایل دقیق جدایی، روایت‌های متفاوتی وجود دارد و نمی‌توان آن را صرفاً به یک عامل نسبت داد.
پس از جدایی، هر دو مسیر حرفه‌ای موفقی را دنبال کردند. مارتین به‌عنوان خواننده و بازیگر به فعالیت ادامه داد و لوئیس نیز به بازیگری، کارگردانی و تولید فیلم روی آورد. با این حال، رابطه شخصی آن‌ها برای دهه‌ها سرد باقی ماند و تنها در سال‌های پایانی زندگی‌شان نشانه‌هایی از آشتی دیده شد.
داستان لوئیس و مارتین نمونه‌ای از این است که موفقیت یک همکاری هنری الزاماً به دوام رابطه شخصی منجر نمی‌شود. گاهی همان ترکیبی که دو نفر را به زوجی موفق تبدیل می‌کند، زیر فشار شهرت، تفاوت‌های شخصیتی و رقابت بر سر اعتبار، به نقطه اختلاف آن‌ها بدل می‌شود.
فرانک سیناترا و مارلون براندو؛ رقابت بر سر نقش در «پسران و دختران»
در سال ۱۹۵۵، فیلم موزیکال «پسران و دختران» به کارگردانی جوزف ال. منکیه‌ویچ، دو ستاره بزرگ آن دوران، فرانک سیناترا و مارلون براندو، را مقابل یکدیگر قرار داد. اما همکاری آن‌ها از همان ابتدا با تنش همراه بود؛ زیرا سیناترا به نقش اسکای مسترسون علاقه داشت، نقشی که در نهایت به براندو رسید.
سیناترا نقش نیتن دیترویت را پذیرفت، اما بنا بر روایت‌های مربوط به تولید، از انتخاب براندو برای نقش مورد علاقه‌اش دلخور بود. اختلاف این دو تنها به تقسیم نقش‌ها محدود نماند. براندو در اجرای ترانه‌ها و دیالوگ‌ها به شیوه خود عمل می‌کرد و گفته می‌شود گاهی با تکرار برداشت‌ها، سیناترا را کلافه می‌کرد. یکی از حکایت‌های مشهور پشت صحنه فیلم به صحنه‌ای مربوط است که سیناترا باید چند بار چیزکیک می‌خورد؛ براندو با تکرار برداشت و خراب‌کردن عمدی اجرای خود، بنا بر این روایت، او را به ستوه آورد.
سیناترا به براندو لقب تمسخرآمیز «زیرلبی» داده بود و از شیوه بازیگری او انتقاد می‌کرد. براندو نیز با رویکرد متفاوت خود به بازیگری، به‌ویژه در اجرای صحنه‌های موزیکال، زمینه اختلاف بیشتری فراهم می‌کرد. هرچند همه جزئیات این روایت‌ها را نمی‌توان مستقل از خاطرات و حکایت‌های پشت صحنه تأیید کرد، رقابت میان دو بازیگر به بخشی از تاریخ تولید فیلم تبدیل شده است.
«پسران و دختران» در نهایت به یکی از موزیکال‌های شناخته‌شده آن دوره تبدیل شد. اختلاف سیناترا و براندو نشان می‌دهد که حتی در فیلم‌هایی که بر سرگرمی و هماهنگی گروهی تکیه دارند، تفاوت روش‌های بازیگری و رقابت بر سر نقش می‌تواند به تنش‌هایی ماندگار منجر شود.
ژان‌لوک گدار و فرانسوا تروفو؛ جدایی دو چهره موج نوی فرانسه
ژان‌لوک گدار و فرانسوا تروفو از مهم‌ترین چهره‌های موج نوی سینمای فرانسه بودند؛ جریانی که در دهه ۱۹۵۰ و ۱۹۶۰ شیوه‌های رایج فیلم‌سازی را به چالش کشید. هر دو به سینمای مؤلف باور داشتند، اما در سال‌های بعد مسیر هنری و سیاسی‌شان از یکدیگر فاصله گرفت.
تحولات سیاسی مه ۱۹۶۸ در فرانسه، نگاه گدار به سینما را رادیکال‌تر کرد. او بیش از گذشته به امکان استفاده از فیلم برای نقد ساختارهای اجتماعی و سیاسی توجه نشان داد. تروفو، در مقابل، همچنان به روایت داستان، شخصیت‌پردازی و تجربه انسانی در سینما اهمیت می‌داد. این تفاوت‌ها به‌تدریج به اختلافی عمیق تبدیل شد.
گسست نهایی آن‌ها در سال ۱۹۷۳ و پس از ساخته‌شدن فیلم «شب آمریکایی» تروفو آشکار شد. گدار نامه‌ای انتقادی برای تروفو نوشت و فیلم او را به‌دلیل نگاهش به سینما و مناسبات تولید زیر سؤال برد. تروفو نیز در پاسخی طولانی، به‌شدت از گدار انتقاد کرد و او را به رفتار متناقض و برخورد ناعادلانه با دیگران متهم ساخت. این مکاتبه به پایان رابطه آن دو انجامید و آشتی‌ای تا زمان مرگ تروفو در سال ۱۹۸۴ رخ نداد.
اختلاف گدار و تروفو تنها یک دعوای شخصی نبود؛ این جدایی بازتابی از تفاوت در برداشت دو فیلم‌ساز از وظیفه سینما نیز بود. یکی بیش از پیش به تجربه‌های رادیکال و سیاست‌محور گرایش یافت و دیگری به روایت انسانی و قصه‌گویی وفادار ماند. هر دو مسیر، به شیوه‌های متفاوت، بر سینمای مدرن تأثیر گذاشتند.
درگیری‌های فیزیکی و نبرد قدرت در سینمای معاصر
در سینمای معاصر، با وجود مقررات حرفه‌ای و حساسیت بیشتر نسبت به رفتار در محیط کار، اختلاف میان بازیگران و کارگردانان همچنان گاهی از مشاجره لفظی فراتر می‌رود. برخی از این درگیری‌ها به‌دلیل حضور ستارگان مشهور و انتشار روایت‌های متعدد، به بخشی از تاریخ رسانه‌ای فیلم‌ها تبدیل شده‌اند.
دیوید او. راسل و جرج کلونی؛ درگیری بر سر رفتار با عوامل فیلم
دیوید او. راسل در کنار شهرتش به‌عنوان کارگردانی صاحب سبک، بارها به‌دلیل رفتار پرخاشگرانه در صحنه فیلم‌برداری مورد انتقاد قرار گرفته است. یکی از مشهورترین اختلاف‌های او در جریان ساخت فیلم «سه پادشاه» در سال ۱۹۹۹ با جرج کلونی رخ داد.
کلونی بعدها توضیح داد که از رفتار راسل با عوامل و بازیگران ناراضی بوده و چند بار از او خواسته بود با دیگران محترمانه‌تر برخورد کند. نقطه اوج اختلاف زمانی بود که راسل با یکی از عوامل حاضر در صحنه، بر سر اجرای یک حرکت، درگیر شد. روایت کلونی از این اتفاق حاکی از آن بود که راسل رفتار فیزیکی و توهین‌آمیزی داشته و کلونی برای دفاع از فرد مقابل مداخله کرده است.
این مداخله به درگیری مستقیم میان دو نفر انجامید. بنا بر روایت کلونی، راسل با سر به او ضربه زد و گلویش را گرفت؛ کلونی نیز واکنش نشان داد و درگیری فیزیکی بالا گرفت. کلونی بعدها از شدت خشم خود در آن لحظه سخن گفت و تجربه همکاری با راسل را یکی از بدترین تجربه‌های کاری‌اش توصیف کرد.
این اختلاف به قطع همکاری آن دو انجامید و کلونی بعدها اعلام کرد که دیگر حاضر نیست با راسل کار کند. ماجرای «سه پادشاه» در سال‌های بعد نیز در بحث‌های مربوط به رفتار حرفه‌ای در هالیوود مطرح شد. با این حال، پیوند دادن فضای پرتنش پشت صحنه به لحن آشوبناک فیلم، بدون شواهد مستقیم، چندان دقیق نیست؛ اهمیت این ماجرا بیش از هر چیز در جدال بر سر رفتار با همکاران و مسئولیت افراد قدرتمند در محیط کار است.
جین هکمن و وس اندرسون؛ اختلاف دو نسل در «خانواده اشرافی تننبام»
وس اندرسون به‌خاطر قاب‌بندی‌های دقیق، ترکیب‌بندی‌های متقارن و جهان بصری ویژه‌اش شناخته می‌شود. در فیلم «خانواده اشرافی تننبام» محصول ۲۰۰۱، جین هکمن نقش روی تننبام را بازی کرد؛ پدری پیچیده که رابطه‌اش با فرزندانش از گذشته‌ای پرتنش تأثیر گرفته است.
گفته شده است که هکمن در جریان تولید فیلم با شیوه کار اندرسون اختلاف داشت و گاهی از جزئیات‌گرایی و کنترل او بر صحنه کلافه می‌شد. روایت‌هایی نیز از برخورد تند هکمن با کارگردان جوان‌تر منتشر شده است. بنا بر برخی گزارش‌ها، بیل موری که با اندرسون همکاری داشت، در فضای پرتنش تولید از او حمایت می‌کرد.
با این حال، درباره شدت و جزئیات این اختلاف‌ها روایت‌های یکسانی وجود ندارد و نمی‌توان تمام داستان‌های پشت صحنه را قطعی دانست. آنچه روشن است، هکمن در نقش روی تننبام حضوری متمایز دارد و بازی او به تعادل میان طنز، خودخواهی و اندوه شخصیت کمک می‌کند. این نقش یکی از بازی‌های به‌یادماندنی کارنامه اوست، اما پیوند دادن کیفیت آن به اختلاف با اندرسون بیش از آن‌که نتیجه‌ای قطعی باشد، تفسیری از رابطه میان بازیگر و کارگردان است.
وین دیزل و دوین جانسون؛ شکاف در خانواده «سریع و خشن»
یکی از علنی‌ترین اختلاف‌های سینمای معاصر میان وین دیزل و دوین جانسون در جریان مجموعه فیلم‌های «سریع و خشن» شکل گرفت. دیزل، بازیگر اصلی و از تهیه‌کنندگان مجموعه، و جانسون که با حضورش به یکی از چهره‌های مهم این مجموعه تبدیل شده بود، بر سر شیوه کار و رابطه حرفه‌ای‌شان اختلاف پیدا کردند.
در سال ۲۰۱۶، جانسون در پیامی در شبکه‌های اجتماعی از برخی همکاران مرد خود انتقاد کرد و رفتار آن‌ها را غیرحرفه‌ای خواند. اگرچه نامی در آن پیام ذکر نشده بود، انتشار آن در زمان فیلم‌برداری یکی از قسمت‌های «سریع و خشن» توجه رسانه‌ها را به اختلاف او با دیزل جلب کرد. در سال‌های بعد، هر دو درباره تنش‌های میان خود سخن گفتند و اختلاف‌هایشان به موضوعی مداوم در پوشش رسانه‌ای این مجموعه تبدیل شد.
جانسون در ادامه مسیر مستقلی را با فیلم فرعی «هابز و شاو» دنبال کرد. این جدایی نشان داد که حتی مجموعه‌ای عظیم و سودآور نیز از رقابت ستارگان و اختلاف‌های پشت صحنه مصون نیست. البته اختلاف این دو را نباید صرفاً به رقابت بر سر میزان حضور روی پرده تقلیل داد؛ عوامل حرفه‌ای و شخصی متعددی در رابطه آن‌ها دخیل بود و روایت هر یک از ماجرا نیز در طول زمان تغییراتی داشت.
«سریع و خشن» همچنان از مجموعه‌های مهم سینمای تجاری است، اما تنش میان دو ستاره آن به یکی از حاشیه‌های ماندگار این فرانچایز تبدیل شد؛ نمونه‌ای از این‌که گاهی رابطه بازیگران، جدا از داستان فیلم، به بخشی از روایت عمومی یک مجموعه سینمایی بدل می‌شود.
چارلیز ترون و تام هاردی؛ تنش در جاده «مد مکس: جاده خشم»
فیلم «مد مکس: جاده خشم» محصول ۲۰۱۵ به‌دلیل تعقیب‌وگریزهای نفس‌گیر، طراحی صحنه و فیلم‌برداری دشوارش شناخته می‌شود. اما تولید آن نیز با تنش‌هایی همراه بود؛ از جمله اختلاف میان چارلیز ترون و تام هاردی، دو بازیگر اصلی فیلم.
فیلم‌برداری در شرایط دشوار و محیط‌های دورافتاده انجام می‌شد و گروه برای مدت طولانی با برنامه کاری فشرده روبه‌رو بود. روایت‌های منتشرشده از پشت صحنه نشان می‌دهند که ترون و هاردی در مقاطعی بر سر رفتار حرفه‌ای، تأخیرها و شیوه همکاری با یکدیگر اختلاف پیدا کردند. ترون بعدها از فشار و نگرانی خود در جریان تولید سخن گفت و هاردی نیز پذیرفت که در آن دوره رفتار دشواری داشته است.
یکی از روایت‌های مشهور به صحنه‌ای مربوط می‌شود که هاردی دیرتر از زمان مقرر به محل فیلم‌برداری رسید و ترون، که مدت زیادی منتظر مانده بود، به‌شدت خشمگین شد. مشاجره میان آن‌ها به یکی از نمونه‌های شاخص تنش‌های تولید فیلم تبدیل شده است. با این حال، این اختلاف به قطع همکاری آن‌ها در خود فیلم منجر نشد و هر دو نقش‌هایشان را به پایان رساندند.
«مد مکس: جاده خشم» با استقبال منتقدان روبه‌رو شد و به یکی از آثار برجسته اکشن در سینمای معاصر تبدیل شد. با این همه، موفقیت فیلم را نمی‌توان به اختلاف میان دو بازیگر نسبت داد. ماجرای ترون و هاردی بیشتر نشان می‌دهد که فشار تولید در شرایط دشوار، چگونه می‌تواند اختلاف‌های شخصی را تشدید کند و رابطه حرفه‌ای دو بازیگر را به چالش بکشد.
سیلوستر استالونه و آرنولد شوارتزنگر؛ رقابت دو غول سینمای اکشن
در دهه ۱۹۸۰، سیلوستر استالونه و آرنولد شوارتزنگر دو چهره اصلی سینمای اکشن بودند. رقابت میان آن‌ها تنها به فروش فیلم‌ها محدود نمی‌شد؛ هر دو می‌خواستند در نقش قهرمانانی قدرتمند ظاهر شوند و جایگاه خود را به‌عنوان ستاره اصلی این ژانر تثبیت کنند.
استالونه بعدها گفته است که برای سال‌ها از شوارتزنگر خوشش نمی‌آمد و رابطه آن دو آمیخته به رقابت و خصومت بود. یکی از مشهورترین حکایت‌های این رقابت به فیلم «ایست! وگرنه مادرم شلیک می‌کند» مربوط است. شوارتزنگر بعدها روایت کرد که وانمود کرده بود به این فیلم علاقه‌مند است تا استالونه را به پذیرش نقش ترغیب کند. استالونه که تصور می‌کرد رقیبش قصد دارد در این پروژه بازی کند، برای از دست ندادن نقش به آن نزدیک شد؛ فیلمی که پس از اکران با استقبال ضعیفی روبه‌رو شد.
این داستان، به‌دلیل وجه طنزآمیزش، به یکی از روایت‌های مشهور رقابت آن دو تبدیل شده است. با این حال، رقابت استالونه و شوارتزنگر در مجموع به تلاش هر دو برای حفظ جایگاهشان در سینمای اکشن نیز مربوط می‌شد. آن‌ها در دوره‌ای که قهرمانان عضلانی و فیلم‌های پرحادثه در گیشه محبوب بودند، به شکل‌گیری تصویر رایج ستاره اکشن دهه ۱۹۸۰ کمک کردند.
با گذشت زمان، رابطه آن دو تغییر کرد و در پروژه‌هایی مانند «گوشت‌خورها» در کنار هم ظاهر شدند. خصومت قدیمی به دوستی و شوخی‌های متقابل تبدیل شد؛ پایانی متفاوت برای رقابتی که سال‌ها یکی از جذاب‌ترین حاشیه‌های هالیوود بود.
خصومت‌ها چه چیزی به تاریخ سینما اضافه کردند؟
مرور این اختلاف‌ها نشان می‌دهد که رابطه میان هنرمندان می‌تواند به اندازه انتخاب‌های هنری و شرایط تولید، بر سرنوشت یک پروژه اثر بگذارد؛ اما این تأثیر همیشه مستقیم یا یکسان نیست. گاهی اختلاف‌ها همکاری را مختل می‌کنند، گاهی دوستی‌ها را برای همیشه از بین می‌برند و گاهی نیز در دل یک تولید دشوار، تصمیم‌هایی تازه شکل می‌گیرد که به نتیجه‌ای متفاوت می‌انجامد.
آنچه این داستان‌ها را همچنان جذاب می‌کند، نه ستایش دعوا و دشمنی، بلکه آشکار شدن وجه انسانی سینماست؛ جهانی که در آن استعداد، جاه‌طلبی، حساسیت، قدرت و ضعف آدم‌ها در کنار هم قرار می‌گیرند. پشت بعضی از فیلم‌های ماندگار، رابطه‌هایی وجود داشته که به همان اندازه پیچیده و پرتناقض بوده‌اند که شخصیت‌های روی پرده. تاریخ سینما با ثبت این خصومت‌ها، تنها داستان چند دعوا را روایت نمی‌کند؛ تصویری از دشواری همکاری، بهای جاه‌طلبی و مرز باریک میان آفرینش هنری و روابط انسانی به دست می‌دهد.
۵۹۲۴۴
کد مطلب 2294667
-
وقتی ستاره‌های سینما دشمن هم می‌شوند؛ از قهر دو خواهر بازیگر تا جدال دو غول سینمای اکشن
-
فیلم سینمایی «تولد یک نجیب‌زاده» با کارگردانی لیلی عاج و بازی امیرحسین آرمان
-
همراه با فیلم‌های آخر هفته تلویزیون؛ از «جی اف کی» تا «یه حبه قند»
-
باربارا بری، برنده جایزه بهترین بازیگر زن کن و نامزد اسکار، درگذشت
-
الهه کولایی: زنان تصور می‌کردند با استقرار نظام کمونیستی به موقعیتی برابر با مردان دست خواهند یافت؛ اما به نتایج مورد انتظار نرسیدند
-
الهه کولایی: زنان تصور می‌کردند با استقرار نظام کمونیستی به موقعیتی برابر با مردان دست خواهند یافت؛ اما به نتایج مورد انتظار نرسیدند
-
پیتر مداک، کارگردان «بریکینگ بد» درگذشت